Dal 25 al 29 gennaio OniricaLab con i designer di Sovrappensiero Design Studio, Lorenzo De Rosa e Ernesto Iadevaia, ha condotto il workshop AnatoMY.

Un’ampia riflessione sul corpo e sul rapporto tra forma umana e corporeità proiettata in uno scenario in cui la percezione di noi stessi, le emozioni e la nostra storia si sintetizzano in prodotti fisici, installazioni, fotografie, interventi sul corpo.

Le opere prodotte dal workshop rappresentano un possibile scenario e una riflessione personale, il corpo umano, nella sua interezza fisica, è indagato non soltanto come potenziale oggetto di studio scientifico ma in quanto veicolo di comunicazione primaria:

Elena Piccolboni | Terapie di coppia

Attraverso tre posizioni vincolate da protesi il progetto interviene drasticamente sui problemi di coppia: la dipendenza l’uno dall’altro, l’indifferenza reciproca nel rapporto egoista, per raggiungere in fine la situazione sentimentale di totale equilibrio e armonia della coppia.

Ugo Villa | Cucinare da Dio

Il progetto vuole ribaltare la normale visione antropocentrica del mondo facendo un passo indietro e ponendo il focus sugli elementi che compongono l’uomo. Allo stesso tempo ricorda come nonostante ogni essere umano sia fatto con la stessa ricetta, sia intrinseca in lui la necessaria ricerca di differenziazione.

Ana Blagojevic | Senza Sensi  

Cosa accadrebbe se potessimo interagire con un solo senso per volta? I tappi per le orecchie, la maschera per gli occhi, una molletta per l’olfatto, un bastoncino per la bocca e un laccio per legare le mani isolano i nostri sensi lasciandone libero solo uno per volta. Il progetto crea un esperienza nuova e intensifica la relazione tra due soggetti creando un linguaggio comune med-i ante l’uso di un’unica percezione, amplificandola.

Flavia Testi | Punto d’osservazione

Progetto profondamente introspettivo che indaga sull’intima necessità di estraniarsi per uscire da una condizione di spettatore attivo e diventare semplice osservatore e assorbire così in profondo tutte le sensazioni dell’ambiente.

Ilaria Giordano | I own you  

  Il progetto racconta la fobia o il bisogno estremo di possedere qualcuno, tanto da arrivare a rubare e poi custodire come gioielli preziosi, alcuni frammenti di corporeità in grado di azzerare la distanza fsica e creare un contatto che coinvolge i sensi dell’olfatto, del gusto e del tatto.

Rossella Zarabara | Scar Treasures

  Il progetto indaga il rapporto tra l’uomo e le anomalie del proprio corpo, spesso celate agli occhi degli altri. Il “difetto” fisico fa parte dell’identità di una persona, racconta una storia e va portato addosso come un gioiello, un prezioso cimelio di un’ espe- rienza passata.

Martina Alice | Ferrara Tears Tester  

Le lacrime possono contenere una diversa concentrazione di ormoni a seconda delle situazioni in cui sono generate. Come una cartina tornasole il fazzoletto restituisce un colore diverso a seconda della composizione della lacrima. Ad ogni colore potrà es- sere associato un ricordo o un’emozione.

Serena Gonzato | Reali Emozioni

Il progetto racconta un ipotetico futuro in cui l’individuo, alienato dal mondo virtuale, è incapace di esprimere naturalmente le proprie emozioni. Una serie di protesi facciali obbligano la persona che le indossa a comunicare il suo stato d’animo.

In 5 giorni makers e progettisti provenienti da diversi background: architetti, designer, studenti di arte e moda hanno sperimentato, progettato e prodotto nuove soluzioni espressive. Il corpo è stato trasformato, smembrato, elaborato per generare un processo che, volutamente distante dall’approccio accademico, opera uno spostamento del punto di vista e la formulazione di un pensiero laterale su argomenti spesso celati.

“Abbiamo scelto volutamente una materia a cui siamo imprescindibilmente tutti legati e così ampia per dare la possibilità ad ognuno di seguire un percorso personale, per sintetizzarlo poi in un linguaggio universale”. Sovrappensiero Design Studio

Prossimo appuntamentoil workshop Material Girl in calendario dal 28 marzo all’1 aprile in collaborazione con lo studio di architettura tedesco Umschichten (http://umschichten.de/).

Fammi una maglia! con Knit Cafè, è un minilab animato da Maria Cristina Pizzato e dal Gruppo Knit Cafè di Bassano del Grappa. Knit Cafè è un gruppo di persone che si incontrano per lavorare a maglia liberamente, senza alcun obbligo e in forma assolutamente gratuita. Non ci sono insegnanti in quanto ogni partecipante contribuisce con la sua esperienza a condividere informazioni, consigli e suggerimenti sul mondo del knit/tricot. I luoghi adatti per un Knit Cafè possono essere svariati: bar, mercerie, ristoranti, librerie, ma anche stand in fiere dedicate al mondo dell’hobbistica, circoli culturali. Stasera ad Onirica OpenLab si potrà lavorare a maglia, imparare, provare… e verrà ipotizzato e proposto un progetto condiviso da realizzare nel corso di altri incontri sul tema. Consigliato premunirsi di ferri e lana.

Fammi un tartufo al cioccolato! con Tad&Dans è un laboratorio dimostrativo/pratico su come preparare un tartufo al cioccolato fondente al 72% accompagnato da un grog al rum secondo la ricetta antillese con mele, chiodi di garofano e cannella. Il laboratorio sarà tenuto dal cuoco Fabio Potenzano dalle 21 alle 24.30. Il laboratorio consiste nel mostrare come fare un tartufo con la cioccolata. Ogni maker farà il proprio cioccolatino per la degustazione. Verrà proposto l’abbinamento con un bicchierino di grog al rum antillese caldo.

Fammi una Birra! con BrewLab da Bologna per scoprire e imparare il processo di produzione della birra artigianale.

In Fammi un poster! con Thype! da Torino, ogni partecipante presenterà il proprio nome, ricaverà tutte le possibili combinazioni di anagrammi sensati che verranno scelti e stampati sul poster componendoli a caratteri mobili. Questo procedimento riprende il tema del riciclo, riutilizzando le proprie lettere (nel vero senso della parola risistemando i caratteri mobili) riorganizzandole e risistemandole in un nuovo senso come in un ciclo.

Fammi un Mojito! con Fuoricorso. Storia del Mojito e preparazione dal vivo. Il perchè della sequenza perfetta degli ingredienti. Della menta si sfruttano più il gambo o le foglie? Il ghiaccio da tritare è meglio pieno o col buco? Tutto quello che avreste voluto sapere sul drink preferito di Hemingway.

Tra terremoti e “vivisezioni concettuali”, finalmente saranno esposti i risultati del viaggio intrapreso quattro giorni fa dal gruppo di giovani creativi che, capitanati dallo Studio Sovrappensiero, si sono confrontati con l’idea di corpo, inteso come materia, oggetto di continue trasformazioni e ispirazione formale estetica. L’allestimento dei “prototipi” creati sarà visitabile dalle ore 21.30 nella sala grande di Interzona a Verona.

Nel frattempo, sono stati resi noti gli ultimi nomi dei gruppi musicali che si esibiranno nel corso della serata.

I primi sono gli Arbdesastr (dalle 22 in sala grande), progetto di Paolo Campagnola , eclettico musicista di preparazione classica, ed Eleonora Arici, live visual art, graphic design. Sonorità elettroniche ambient/IDM, inserti di pianoforte e voce, suggestioni visive naturali realizzate con elementi generativi e texture geometriche. Nel suo storico riporta una serie di release per varie label (marsiglia records, boringmachines, shyrec, chew-z), la partecipazione ad alcuni progetti (“stranger music – tribute to leonard cohen” per punknotdiet/42records, “altri giardini” per i giardini di mirò) ed un’intensa attività live che hanno fatto conoscere Arbdesastr nell’underground italiano. Attualmente Arbdesastr è impegnato nella pre-produzione di nuovi brani che costituiranno il corpo del primo full length del progetto e nella realizzazione del nuovo live-set.

Tutt’altro genere, invece, è quello degli Albino’s. Beat italiano, minigonne, parrucche ossigenate, chitarre graffianti, e pianoforti rocckeggianti. Un tuffo nei mitici anni Sessanta, per uno show travolgente a base di garage, beat, “roccherò” e “geghegè”, rigorosamente “Made in Italy”. Gli Albino’s sono Gilda Zonk  (voce), Gambaletto Bionico (voce),  La Spiccia (basso),  Blondie (hammond), Fabio 4 Dita  (chitarra) e Bianconiglio  (batteria). Il concerto inizia alle 23 in sala media.

Prime conferme per la terza serata-evento di OniricaLab sabato 28 gennaio, con il workshop “Anatomy” curato dal duo Sovrappensiero.

Anche questa volta l’esposizione dei risultati dei cinque giorni di workshop sarà accompagnata da una selezione di artisti musicali, assolutamente da non perdere. I primi confermati sono i Marconastic (nella foto) e la Fog Surfers dj crew.

I primi sono un duo di fratelli Veronesi (Lorenzo & Francesco) che piantano le loro radici nella scena dell’elettronica underground dei primissimi anni ’90. Di loro hanno scritto: “mai legati ad un’etichetta, autonomi nel pensiero e nella musica, innamorati del vinile, trovano soddisfazione nelle produzioni minimal del nord europa, producendo scurissimi sets con incursioni detroit techno, ma anche sonorità più morbide, talvolta vocali, mescolate a bleeps e bassi mordenti”; “li potete gustare in inverno in situazioni di nicchia della realtà locale, in estate ad Ibiza, ma mai in situazioni farcite di divismo e faciloneria“. I Marconastic riempiranno con loro atmosfere rarefatte la “saletta” di Interzona dalle ore 24.

La Fog Surfers dj crew invece incendierà la “sala media” a suon di wild rhythm’n'roll, rhythm’n'blues, garage beat, rock and roll, ska original, latin soul, boogaloo, surf, raw-funk, jamaican vibes… una selezione di 33 giri che catapulta nei mitici ’50 & ’60: ballo sfrenato, ritmi indiavolati e tanto tanto sudore.

La “gloriosa crew” (come viene appellata) è ben nota sopratutto nel nord Italia, dove ha chiuso concerti di veri grandi come i Death Valley Surfers, The Legendary Kid Combo e Ray Daytona and the Googoobombos.

Studio FormaFantasma racconta il workshop TASTEFULL @OniricaLab from Fuoriscala on Vimeo.

Intervista a Simone Farresin di Studio FormaFantasma sui progetti realizzati dagli studenti durante il workshop TASTEFULL, primo appuntamento di OniricaLab: www.oniricafestival.com

Riprese: Filippo Brunetti
Montaggio: Maria Chiara Casarotto

Conference call con Lorenzo De Rosa di Sovrappensiero Design Studio che illustra AnatoMY il prossimo workshop di OniricaLab, in programma a Verona dal 25 al 29 gennaio

OniricaLab presenta “AnatoMY”, dal 25 al 29 gennaio 2012 a Verona Dopo il successo di “TASTEFULL” con Studio FormaFantasma, il secondo appuntamento è con il workshop guidato da Sovrappensiero Design Studio.

Sovrappensiero nasce a Milano nel 2007 dal sodalizio creativo di due giovani product e furniture designer, Lorenzo De Rosa ed Ernesto Iadevaia, cresciuti in Campania e attratti dalle nuove sfide contemporanee.

“AnatoMY” sarà un workshop di 5 giorni in cui il corpo umano sarà indagato sotto tre diverse interpretazioni:

- il corpo come materia (pelle, muscoli, ossa, denti, capelli) reale e simulata

- il corpo come oggetto di continue trasformazioni; l’evoluzione della specie e le mutazioni, dalla cosmesi alla chirurgia estetica e alle protesi

- il corpo come ispirazione formale estetica.

L’obiettivo del workshop è quello di raccontare uno scenario o una riflessione personale su queste tematiche attraverso un prodotto fisico, grafico o fotografico.

 

PROGRAMMA

Mercoledì 25
9-10 presentazione studenti
10-11 presentazione docenti e lavori studio sovrappensiero
11-13 introduzione workshop e dibattito con studenti sul tema
13-14 pausa
14-15 divisione in gruppi e divisione temi
15-18 esercitazioni e sperimentazioni sul tema

Giovedì 26
9-13 sperimentazioni e concept iniziali
13-14 pausa
14- 16 revisione primi concept + scelta materiali per la realizzazione
16 – 16.30 organizzazione spesa materiali
16.30 – 18 avanzamento concept selezionati

Venerdì 27
9-11 spesa materiali
11-12 organizzazione materiali e strumenti di lavoro
12-13 design e prototipazione
13-14 pausa
14-17 design e prototipazione
17-18 revisione + ideazione concept per allestimento evento

Sabato 28
9- 13 chiusura prototipi per esibizione
13-14 pausa
14-17 organizzazione allestimento
17-18 meeting piu ultime decisione allestimento
19 evento

Domenica 29
9-13 eventuale rifinitura progetti
14-18 fotografie progetti finiti e riunione su possibile avanzamento dei progetti da parte dello studente.
 

“AnatoMY” si terrà a Verona dal 25 al 29 gennaio 2012 presso il Magazzino 22, in via Scuderlando 4. Il workshop è aperto a tutti, ma è rivolto in particolare a studenti di scuole universitarie di design e discipline artistiche o della comunicazione, oltre che a professionisti architetti e designer. Per partecipare è necessario inviare una email di richiesta di iscrizione entro il 19 gennaio 2012 all’indirizzo info@fuoriscala.it completa di modulo compilato, portfolio e curriculum:

Clicca qui per scaricare il bando

Clicca qui per scaricare il modulo di iscrizione

Sabato 28 gennaio, presso il Magazzino 22 si svolgerà una serata di presentazione dei risultati del workshop aperta al pubblico, durante la quale i visitatori saranno invitati a partecipare a mini-laboratori legati al mondo del making, con degustazioni di produzioni artigianali, bar biologico, concerti e musica.

Negli ultimi anni il cibo è diventato sempre più fonte di ispirazione ed indagine dei designer, che si sono cimentati nel disegno di nuove pietanze o di nuovi strumenti e metodi di consumo degli alimenti. Il food design è però solo uno dei momenti in cui il cibo incontra il design. In tempi in cui l’idea di sostenibilità è sia esigenza che fonte di ispirazione per nuovi prodotti, il commestibile è diventato area d’indagine principale per lo sviluppo di materiali bio degradabili.

Dall’amido di patate e mais fino alle farine o alle piume del pollame destinato alla macellazione, gli alimenti sono sempre piu utilizzati per produrre nuovi polimeri naturali. Anche esteticamente gli oggetti si arricchiscono di dettagli organici o si ricoprono di laccature gelatinose che, come glasse, stimolano visivamente una tattilità quasi “gustosa”.

Parallelamente l’idea di slow food si sta espandendo diventando slow-movement. Nel design questo si traduce nella riscoperta di tecniche artigianali perdute o nella rivalutazione del locale e di sistemi di vendita più complessi dove l’acquisto diventa esperienza.

Il workshop guidato da Studio Formafantasma, si è sviluppato in 5 giorni dove il cibo ed il commestibile sono stati indagati attraverso 3 diverse interpretazioni degli alimenti dal punto di vista del design:

Rapa, piselli, zafferano, vino, cipolla e altro ancora vengono bolliti e filtrati per ottenere una sorprendente pallette colori dei cibi che appartengono alla tradizione culinaria veneta. Queste tinture vengono utilizzate per il design di un nuovo modo di intendere la tovaglia. Ricette tradizionali come “riso e bisi” o “risotto al radicchio di Treviso” vengono tradotte in percentuale di colore, dove i simboli della località vengono indagati tramite la carica emotiva del colore.

Storicamente il succo di limone veniva utilizzato per la stesura di messaggi invisibili su carta che, riscaldata, ne rivela il contenuto. Otto illustrazioni ripercorrono la storia sconosciuta dell’origine del limone, della sua migrazione dall’India all’antica Roma sino ad oggi. Come una poesia, il limone viene utilizzato come ink/link per raccontare i frammenti della storia perduta di uno dei più utilizzati condimenti del quotidiano.

Il concept di questo progetto è la creazione di un nuovo tipo di polimero naturale: amido di patate e mais sono analizzati per la loro capacità plastica e, allo stesso tempo, altamente solubile, per la produzione di un packaging per piante. Partendo dall’idea di cibo come sostanza nutritiva per le piante, a questa bioplastica, vengono aggiunti alimenti come il lievito di birra, scarti alimentari e sangue di bue. La sostanza realizzata è biodegradabile e compostabile e svolge sia la funzione di imballaggio della pianta sia la funzione nutriente della stessa perché si scioglie a contatto con l’acqua rilasciando al suo interno il fertilizzante naturale. Questo progetto è stato intitolato Gea, come l’antica dea greca, madre di tutti gli dei dell’Olimpo e dea della fertilità e della natura che veniva identificata con la Terra stessa.

Il progetto “Sale d’Oriente” riconsidera il complesso rapporto con lo zucchero che caratterizza la cultura occidentale e il suo utilizzo smodato. Nell’installazione proposta da Gianmaria e Francesca lo zucchero viene lavorato, cesellato e lucidato in minuscole pepite caloriche. La seduzione estetica in questo caso diventa veicolo per un consumo più consapevole dove l’elaborazione formale e il design elevano il quotidiano a straordinario, unico. Il nome del progetto “Sale d’Oriente” si riferisce a come lo zucchero veniva definito nel passato, un bene prezioso e raro importato in Europa con l’inizio dell’epoca coloniale.  

Nel progetto i vegetali sono stati indagati nella loro struttura scoprendo analogie formali e funzionali con la produzione industriale di schiume, imbottiti e isolanti. La luffa, una pianta appartenente alla famiglia delle cucurbitacee, a metà strada tra zucca e zucchina, diventa l’ispirazione e il punto di partenza per la proposta di un nuovo materiale con potenzialità simili agli imbottiti industriali che, biologicamente ingegnerizzato e coltivato, possa in futuro diventare un sostitutivo naturale e biodegradabile dei materiali di origine sintetica. Nella proposta di Daniela, natura e industria si incontrano generando una produzione ibrida tra fattoria e fabbrica.

Ispirato alla fabbricazione di plastiche biodegradabili ricavate da amido di patate e mais, nel progetto, la produzione locale viene estremizzata in una proposta utopica e autarchica. Fattoria e industria si incontrano in un nuovo ibrido produttivo, dove gli scarti della produzione di olive e vino vengono ingegnerizzati per la creazione di nuovi materiali iper- naturali ed iper-locali.

Il progetto è un indagine sui metodi produttivi del pollame e sulla sproporzione tra domanda di petto di pollo e altre parti dell’animale. Utilizzando un ironico ma accurato metodo rappresentativo, il pollo diventa un nuovo animale mitologico composto da 13 petti, 3 ali, 5 cosce e 1/2 cuore (in relazione al consumo medio Europeo). Elena propone un’installazione che sia in grado di sensibilizzare a un consumo più responsabile e di incentivare un modo di cucinare più attento al recupero della tradizione rurale, dove nulla viene scartato.Durante la performance, i wurstel, dove tutti gli scarti di pollo vengono nascosti e ri- assemblati industrialmente, sono serviti in mono-porzioni che ricordano l’estetica della “fabbricazione” della carne.

Nel progetto il cibo viene composto/scomposto e cotto/assemblato in strutture geometriche apparentemente astratte e casuali. Quella di Lucia in realtà è una nuova possibilità di illustrare le ricette: l’immagine non è rappresentativa del piatto pronto, ma un risultato estetico e infografico degli ingredienti e delle percentuali della portata. L’immagine del cibo viene radicalizzata per favorire la visione immediata e la comprensione veloce della struttura della ricetta. Lucia va contro la tradizionale iconografia del cibo tipica dei libri di cucina.

Nel progetto di Sofia, i piccoli frutti del bosco come le castagne, le noci e le nocciole, che una volta consumati lasciano un guscio vuoto, diventano graziosi reliquiari dal gusto domestico e impeccabile. Con un atteggiamento poetico e introspettivo Sofia ha intrapreso un viaggio nel minuscolo e nell’intimo, riempiendo il vuoto, lasciato dal cibo consumato, con memorie e segreti individuali. I gusci vuoti del cibo sono stati sigillati e in alcuni casi resi inaccessibili utilizzando materiali semplici e di uso quotidiano come la cera fili e i ritagli di stoffa.

Nel progetto di Vera, frutta e ortaggi di stagione sono indagati dal punto di vista formale, per scoprire al loro interno piegature e imperfezioni che diventano ispirazione per un nuovo typefont. Vera prevede di sviluppare altri font da dedicare alla primavera, all’estate e all’autunno, per incentivare un consumo alimentare più consapevole e stagionale. Il linguaggio diventa un gioco semantico per la creazione di nuovi accostamenti culinari. Immaginate che sapore potrebbe avere la parola Inverno.

Il progetto di Sara si ispira al cannibalismo delle tribù indigene e diviene metafora dei rapporti umani. Sara ha dato forma a un concetto metaforico grazie alla realizzazione di maschere commestibili nate da pane e glassa per dolci. Il progetto suggerisce una nuova ritualità del cibo che diventa decoro e prima ancora simbolo. Nutrirsi diventa un atto di violenza: “l’altro” viene letteralmente divorato. Nel caso di Sara il cibo diventa strumento teatrale per la rappresentazione contemporanea del mito di Pantagruel.

Il progetto di Elisa utilizza il cibo come fonte di materiale per la composizione di gioielli effimeri dall’alto contenuto simbolico. Elisa vede un legame tra il gioiello, oggetto che simboleggia il gusto estetico e il rapporto complesso tra la nostra società e il consumo di cibo. Verdure caramellate, pancetta fritta, datteri e altri “decori” iper-calorici diventano le pietre preziose di sarcastici gioielli commestibili, provocazione indiscussa del nostro rapporto con la magrezza e l’obesità.  

La stevia è una pianta da lungo tempo utilizzata in Giappone per il suo alto potere dolcificante a basso tenore calorico. La pianta è stata per lungo tempo bandita e solo in questi giorni la Comunità Europea ne sta permettendo l’utilizzo. Partendo da questo presupposto Francesco ipotizza un nuovo destino per lo zucchero. In una visione del futuro tra utopia e realtà il progetto prevede il decadimento dello zucchero come principale fonte edulcorante. Lo zucchero diventa un nuovo prodotto del lusso che, allo stesso modo dei sigari, sarà consumato da pochi edonisti cultori della dolcezza. Nella presentazione lo zucchero viene lavorato come cristallo e vetro per produrre forme astratte e geometriche dall’alto contenuto estetico.